Dans le cadre de la 29ème édition du festival Itinéraires des photographes voyageurs, la galerie Arrêt sur l’image présente « Runners of the Future » d’Alexandre Dupeyron.
Alexandre Dupeyron est un photographe voyageur. Du Tchad au Maroc, en passant par Singapour ou encore Bombay, il parcourt le monde à la recherche du mouvement. Ce mouvement, il le retranscrit à travers des photographies où le flou est omniprésent, permettant ainsi de brouiller tout repère spatio-temporel.
En 2013, il participe à la 23ème édition du festival Itinéraires des photographes voyageurs et expose sur les grilles du jardin public sa série intiulée « Monades Urbaines ». Il revient cette année pour la 29ème édition à la galerie Arrêt sur l’image et présente une série intitulée « Runners of the future », initiée en 2010 à Singapour alors qu’il travaille sur le principe des villes génériques.
Comment as-tu découvert la photographie ?
Je découvre la photographie très jeune, adolescent. Une tante m’a offert un appareil photo argentique. Elle avait un agrandisseur et m’a fait don de celui-ci et de tout le matériel pour faire du tirage en noir et blanc. Je me suis mis à pratiquer la photographie en noir et blanc de manière totalement amateur.
La photographie m’a toujours accompagné mais je me suis vraiment défini en tant que photographe à partir du moment où j’ai décidé de vivre de la photographie, en 2006, après un court passage dans le milieu des bureaux et du travail à Paris où je devais concilier ma passion qu’était la photographie et mon travail. Ca a duré 2 ans, le temps que je m’achète mon premier appareil professionnel numérique. Et c’est là que j’ai commencé à vivre en tant que photo journaliste, tout en gardant une pratique artistique forte, jusqu’à aujourd’hui où je mets le plus clair de mon énergie et de mon temps dans ma pratique artistique et à côté de cela, je fais également des travaux de commande.
En 2013, tu participes à la 23ème édition du festival Itinéraires des photographes voyageurs avec une série intitulée « Monades Urbaines » présentée sur les grilles du Jardin public. Qu’est-ce qui t’a donné envie d’y revenir ? 6 ans après, est-ce que ton travail a évolué ?
Ce qui m’a donné envie d’y retourner est d’abord que je garde un très bon souvenir de ce festival et, pour avoir exposé dans de nombreux festivals français et internationaux, Itinéraires des photographes voyageurs a quelque chose d’assez unique et puissant : c’est qu’il y a un vrai esprit de famille. En tout cas, il y a une osmose qui nait du choix photographique de Vincent Bingold et Nathalie Lamire-Fabre (les organisateurs du festival) qui est assez incroyable car, quand on regarde les travaux de chacun, ils sont tous très différents et en même temps il y a une fibre commune à tous les travaux présentés chaque année. Et quand on rencontre les gens qui sont derrière ces photos, c’est là que l’on se rend compte qu’il y a une véritable magie dans le choix que proposent les organisateurs. J’ai donc gardé un très très bon souvenir et de très belles amitiés de cette première édition en 2013 qui était très différente parce que j’ai exposé sur les grilles du Jardin Public, des formats gigantesques d’1m80 par 1m20. Et dans l’espace public, là où ici dans la galerie on est dans une appréhension beaucoup plus intimiste, dans une sorte d’écrin contrairement à ce que peuvent être les grilles du Jardin Public. Le travail que j’y présentais, à la différence d’aujourd’hui, était exceptionnellement en couleur alors que mon écriture s’est toujours située plutôt dans le noir et blanc ; un peu pour les mêmes raisons que je travaille mon flou depuis 10 ans, le noir et blanc c’est aussi à mon sens un outil et une manière de créer une rupture par rapport au monde réel et d’amener la photographie vers quelque chose qui va au-delà. Après je pense qu’il y a de la rupture formelle si l’on considère que le passage de la couleur au noir et blanc en est une, mais il y a une véritable continuité dans mon travail photographique qui d’ailleurs date de 2012- 2013 car il y a eu un vrai tournant, un vrai avant/après pour des raisons de vécu. Ma photographie a beaucoup changé à ce moment là et depuis, elle continue de se développer dans une lignée un peu similaire, à savoir que je suis toujours sur des séries qui n’ont pas de géographie et où l’on peut très difficilement appréhender le temps et l’espace.
Dans le cadre de cette nouvelle édition du festival Itinéraires des photographes voyageurs, tu exposes la série « Runners of the Future ». Peux-tu m’en parler ?
La série démarre en 2010, à l’époque ou je pars m’installer à Singapour. Avant cela, j’ai habité au Maroc pendant 4 ans et donc du Maroc j’arrive à Singapour. J’ai eu beaucoup de difficultés à appréhender cette ville. J’étais dans un besoin permanent de photographier. J’ai commencé à photographier quasi quotidiennement cette ville pour essayer de l’appréhender, de réussir à me familiariser avec elle. Par la suite, j’ai beaucoup voyagé en Asie du Sud Est, pour des raisons initialement de commandes. Au fur et à mesure de ces voyages, un sentiment de déjà vu est né en moi. Je me suis aperçu qu’en fait, aujourd’hui, la ville moderne était définie par une grammaire commune et que finalement j’étais tout aussi à l’aise dans le métro parisien que dans le métro de Singapour, le métro de Tokyo ou celui de New York. Car toutes ces grandes villes partagent des règles identiques : les quartiers d’affaire de la City à Londres ne sont pas très différents des quartiers de la Défense ou de certains quartiers d’Hong Kong ou de Singapour. J’ai donc commencé à me documenter sur les notions d’urbanité, sur l’architecture et sur la ville moderne, notamment avec des lectures comme celles de Rem Koolhaas qui est le premier à avoir parlé de la ville générique. Et effectivement, je me suis totalement reconnu dans cette idée de ville générique et j’ai voulu, à mon tour, essayer de créer une ville générique qui, par définition, n’existe pas car c’est une ville de fiction qui a été faite et composée de fragments et de photos collectées à travers une dizaine de mégalopoles dans le monde. J’ai taché d’aborder cette série comme une sorte de vertige, de déambulation dans l’espace public de la ville moderne en essayant de tisser une sorte de récit narratif très poétique, qui est plutôt elliptique, et qui est très centré sur mes propres ressentis de la ville moderne : comment dans cette hyper densité, dans cette hyper verticalité par ailleurs on assiste à des scènes de solitude extrême. J’étais moi-même dans une sorte de solitude profonde quand je parcourais ces villes et j’ai donc essayé de retranscrire au plus juste mes émotions et mon vécu de la ville moderne.
Le titre initial, en français, était « Soldats du futur », et le titre anglais, Runners of the future, parce qu’il y avait l’idée d’être comme dans une sorte de roman d’anticipation. Certaines mégalopoles dans lesquelles j’ai passé beaucoup de temps sont vraiment le fer de lance de la modernité et incarnent un futur proche qui nous concerne tous. J’avais donc envie de traiter cela à la manière d’un roman d’anticipation ou d’une nouvelle de science fiction, d’où cet ancrage au futur. Et « runners » car la ville est un parcours dans lequel on est amené à courir, dans lequel on court en permanence.
Tu travailles beaucoup le flou afin de brouiller tout repère spatio-temporel. Pourquoi ce choix ?
La raison de ce flou est qu’il me permet de me rapprocher au plus proche de mes sentiments. C’est une manière de me distancier du réel, d’amener la photo vers quelque chose de plus sensible, de plus tragique. C’est aussi une manière pour la personne qui regarde les images de se projeter davantage. C’est un flou qui pourrait s’apparenter au flou de la rêverie, ou du cauchemar. C’est un flou qui suggère plutôt qu’il assène. C’est un flou aussi qui est plus proche de mon propre ressenti car mon appréhension du monde est elle-même floue et je trouve que l’on vit dans une période qui est très incertaine. C’est un peu le reflet de notre société ou en tout cas de mes sentiments dans ce monde.
Tu présentes également deux photos issues de ta série « L’Etale des saisons ». Peux-tu m’en parler ?
D’un point de vue purement pratique, je trouvais que l’espace derrière le bureau à la galerie se prêtait plus à donner un petit aperçu d’un autre travail. C’est un travail qui m’est très cher car il a été concomitant avec une autre série qui s’appelle « The Morning After » et qui est visible sur mon site internet (www.alexandre-dupeyron.com). L’ « Etale des Saisons » est un travail qui là aussi est en couleur, dans lequel j’ai travaillé sur les variations de la nature et qui émane en fait d’un besoin très urgent et pressant de me reconnecter au monde végétal, à la nature. A coté de cela, je traversais une période très difficile d’un point de vue personnel suite à un décès et j’avais cette série « The Morning After » qui, pour le coup, est une série très viscérale, très introspective, directement liée à ce traumatisme, et l’Etale des Saisons a été un peu comme ma bouffée d’air.
Propos recueillis par Claire Morin
Exposition : Alexandre Dupeyron, « Runners of the Future », galerie Arrêt sur l’image
Site de l’artiste : alexandre-dupeyron.com